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viernes, 5 de septiembre de 2014

"Grandes Ángulos". Fotografías de ángel Pablo

“Grandes ángulos”. Exposición de fotografías panorámicas de Ángel Pablo
Museo de Cáceres, del 4 de septiembre al 12 de octubre



Ángel Pablo comenzó con la fotografía a la temprana edad de 14 años, haciendo fotos en blanco y negro, que él mismo desarrollaba en cuarto oscuro, con una cámara que pertenecía a su padre. Poco tiempo después comenzó con el diseño gráfico, realizando carteles y portadas de álbumes de música.

Ha viajado por algunos países de Europa. En los años ochenta del siglo pasado vivió en París, donde trabajó como fotógrafo y técnico de varias películas cinematográficas. En la siguiente década fue reportero gráfico del Diario de Cádiz, y también trabajó para otras publicaciones.

Tras una ausencia del mundo de la fotografía, entre 2001 y 2006, volvió en 2007 y comenzó a abrirse paso como artista de la imagen fija; en la actualidad, Ángel Pablo controla todos los formatos digitales, medio que le ha permitido reencontrarse con entusiasmo con la fotografía.

Ha expuesto sus obras en diversas salas de España, Francia, Bélgica y Portugal, en las que ha mostrado cómo los conceptos geométricos han influido en su creatividad.


Horario de visita:
Martes a sábado de 9,00 a 15,00. Domingo de 10,00 a 15,00. Lunes cerrado.


martes, 8 de abril de 2014

Video. El Cáceres que fue

El Cáceres que fue
 
Comprueba cómo ha cambiado la ciudad de Cáceres durante el último siglo. Para saber más, visita nuestra exposición "El Cáceres que fue. Imágenes de ayer y de hoy" hasta el próximo 4 de mayo.




viernes, 4 de abril de 2014

El Cáceres que fue

El Cáceres que fue
Imágenes de ayer y de hoy
Del 7 de abril al 4 de mayo
Inauguración: Lunes, 7 de abril a las 19,30 horas


El Museo de Cáceres alberga un archivo de fotografía histórica que comenzó a formarse en los inicios de la Comisión Provincial de Monumentos a finales del siglo XIX. La colección está formada por cerca de dos mil ejemplares, procedentes de donaciones y compras, además de las propias realizadas por el personal del Museo. 


Las fotografías recogen vistas de los principales monumentos y yacimientos arqueológicos de la provincia, destacando por su mayor número Cáceres y Plasencia. Muchas de ellas son obra de conocidos fotógrafos locales como Gabriel Llabrés, Perate, Gustavo Hurtado, Tomás Martín Gil, Javier García Téllez, Emilio Herreros, Karpint o Carlos Callejo, y nacionales como J. Laurent, Gudiol o Gombau.


Buena parte de estas imágenes nos sirven para comprobar los cambios experimentados por los monumentos del conjunto histórico de Cáceres, particularmente en la segunda mitad del siglo XX, momentos en que se construye la imagen actual de nuestra Ciudad Monumental.
En esta exposición queremos mostrar algunos ejemplos significativos de estas transformaciones, comparando las imágenes del ayer con las de hoy; todo ello nos ayudará a facilitar un mejor conocimiento del Cáceres que fue.


La muestra, que ha contado con la colaboración del Consorcio Cáceres Ciudad Histórica, podrá visitarse hasta el 4 de mayo en el horario habitual de las exposiciones temporales: De martes a sábado de 9,00 a 15,00, y los domingos y festivos de 10,00 a 15,00, a excepción del 23 de Abril en que el Museo permanecerá cerrado.


martes, 5 de noviembre de 2013

La pieza del mes. Noviembre de 2013


 
 
Retrato de una familia chinata
Fotografía
Manuel y José Díez, Plasencia (ca. 1906-1911)

Entre los numerosos objetos recopilados por D. Pedro Pérez Enciso que forman parte de la colección del Museo de Cáceres, se encuentra esta fotografía en la que sabemos que está retratada la familia Morán, de Malpartida de Plasencia. El grupo que aparece, ataviado con los trajes típicos de chinatos, está compuesto por el matrimonio formado por Ciriaco Morán Suárez (1845-1917) y Macaria Manzano González (1864-1919), y sus hijas Juliana Morán Manza-no (1896-1975) a la izquier-da y Ángela Morán Manza-no (1888-1911) a la dere-cha. Falta el más pequeño de los hijos, Daniel, que falleció en 1901 a los diecinueve meses de edad.
 
De las dos hijas, Ángela falleció soltera, y Juliana casó en enero de 1917 con Felipe Tomé Fernández (1882-1953), pero no tuvieron descendencia. El Museo de Cáceres posee un buen número de piezas que proceden de Malpartida de Plasencia, especialmente prendas de vestir y textiles, y de ellas, varias pertenecieron a esta familia. Identificados con el nombre completo o con las iniciales, encontramos sábanas, alforjas, diversas prendas de vestir interiores y exteriores y hasta un sello de pan que pertenecieron tanto a Ángela como a Juliana Morán y a su marido Felipe Tomé. Sabemos, además, que Juliana Morán, vendió por 80 pesetas varias de las prendas del traje de Malpartida de Plasencia que el Comité cacereño de la Exposición Iberoamericana de Sevilla adquirió en enero de 1929 para figurar en el Pabellón de Extremadura, prendas que después de la muestra pasaron a formar parte de la colección del Museo de Cáceres.
 
El padre, Ramón Ciriaco Morán Suárez, era un pequeño labrador que casó en primeras nupcias con María García (1867) y tras el fallecimiento de ésta contrajo nuevo matrimonio en 1886 con Macaria Manzano. Gracias al primer matrimonio pasó de empleado a propietario y alcanzó cierta prosperidad; así, su hija Juliana también fue a casar con uno de los propietarios más prósperos de Malpartida de Plasencia; Felipe Tomé llegó a ser alcalde de la localidad y adquirió una fábrica de harinas que funcionó durante muchos años y fue conocida como “molino del tío Felipe Tomé” o “de la tía Juliana”. Hoy día, el pueblo le ha dedicado a Felipe Tomé una de sus calles.
 
La fotografía fue tomada sin duda en Plasencia en la segunda mitad del primer decenio del siglo XX. Los hermanos Manuel y José Díez instalaron su estudio fotográfico hacia 1893 en el número 14 de la Calle Santa Ana, separándose posteriormente y trabajando cada uno por su cuenta, Manuel en la Calle Carmelitas y José en la Plaza Mayor. Las hijas de Manuel, María del Carmen y María Eugenia, también llevaron el negocio de su padre, que alternaba la fotografía con la pintura religiosa, y finalmente el oficio fue heredado por Manuel, el hijo más pequeño, que tuvo estudio en la Plaza Mayor hasta su jubilación en 1990.
 
Agradecimientos:
D. Dionisio Clemente Fernández, investigador
D. Santos Paradés Muñoz, Párroco de Malpartida de Plasencia

martes, 22 de octubre de 2013

Ouka Leele. Inédita


Del 24 de octubre al 24 de noviembre


La Consejería de Educación y Cultura y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, presentan la exposición «Ouka Leele. Inédita», una muestra comisariada por Rafael Gordon, que ofrece una oportunidad única para conocer el lado más oculto de la obra fotográfica de la artista a través de un recorrido por algunos de sus trabajos inéditos.
La exposición se convierte así en una antológica que celebra la madurez artística alcanzada por Bárbara Allende Gil de Biedma, nombre real de Ouka Leele, después de tres décadas de trabajo. Las imágenes escogidas, que reflejan su dominio técnico y su constante creatividad, son una perfecta síntesis para entender las diferentes etapas de la fotógrafa: sus imágenes en blanco y negro, sus pioneras obras coloreadas y sus últimos trabajos donde asumió el punto de inflexión digital en la fotografía. 

La percepción del conjunto de las obras pretende transmitir la idea de una comedia humana en fotografías, un auténtico viaje interior, hondo y pleno de dolorido sentir. Retratos, autorretratos y escenas, que son verdaderos poemas visuales, integran una exposición ecléctica y cargada de referencias a mundos externos (civilizaciones antiguas, mitologías diversas, literatura) e internos (familia, amigos, sueños…).


«Ouka Leele. Inédita» es la oportunidad de entrar en contacto, más ampliamente que nunca, con un lenguaje, una sensibilidad y un discurso poético que ha nacido del contacto con la experiencia de la vida, incluido ese «dolorido sentir», y ha crecido con el tiempo, con nuestro tiempo, hasta hoy. 


Inauguración:
Jueves, 24 de octubre a las 20,00 horas
Horario de visita de la muestra:
Martes a sábado de 9,00 a 15,00. Domingo de 10,00 a 15,00. Lunes cerrado.

 
 

jueves, 6 de junio de 2013

Exposición. Encuentro y Diálogo


Encuentro y Diálogo
Colecciones de artes visuales del Parlamento y del Gobierno de Extremadura
Del 6 de Junio al 1 de Septiembr

Comisaria: Dra. Dña. María del Mar Lozano Bartolozzi

Las obras que se incluyen en esta exposición han sido seleccionadas de las colecciones de arte contemporáneo del Parlamento y el Gobierno de Extremadura. Son pinturas, fotografías, esculturas y objetos experimentales, vídeos o instalaciones con nuevos soportes que habitualmente, salvo alguna excepción, no están expuestas al público. Su genealogía comienza por haber sido adquiridas después de la instauración de la Democracia y desde una voluntad de coleccionismo, en ferias como Foro Sur, a través de exposiciones, o por medio de becas y ayudas a la creación artística.
La muestra se desarrolla cruzando un discurso expositivo que relaciona unas obras con otras y plantea temáticas subyacentes en algunas de las etapas o trayectorias de los artistas seleccionados. La narración o relato se divide en cinco bloques temáticos.

Arte y Naturaleza. Las aproximaciones al paisaje son tratadas desde distintas ópticas. Las referencias al territorio son un punto de partida que conecta la naturaleza con la interpretación y estetización humana de la misma. Su representación refleja emotividad ante lo concreto o distanciamiento ante el macrocosmos, así como relaciones geográficas, antropológicas e intercambios de algunas historias. Los autores son Ortega Muñoz, Pilar Pequeño, Pedro Calapez, Stefanek & Maslin, Hilario Bravo, Javier Fernández de Molina, Pedro Gamonal, Montserrat Soto, Gabriela Albergaria, Ricard Chiang, Ruth Morán y Ángel Masip.

Polis: espacios urbanos. El paisaje es conceptualizado también a partir de espa-cios urbanos, de lugares que dejan ver en ocasiones hitos arquitectónicos significati-vos, lugares habitables, para manifestar, otras veces, la desterritorialización propia de la Modernidad y de la era global, dan-do como resultado "no lugares" o espacios sin identificación etnográfica. Los autores son Manuel Vilches, Stefan Hoenerloh, Damián Flores, Alonso Gil Lavado, José Mª Mellado Martínez, Eduardo Nave y Pedro Barateiro.

Mito e Identidad. En este apartado se reúnen obras que manifiestan nuevas narraciones de mitos clásicos o de raíz religiosa, a través de versiones contemporáneas, configurando un imaginario común. Además comprendidos como mitos o narraciones, aparecen discursos acerca de la identidad corporal, social, cultural, que pueden ser de carácter legendario o atávico, pasando por la denuncia de la injusticia, de la marginación social y del sufrimiento individual. Los autores son Juan Barjola, Juan José Narbón, Wolf Vostell, Eduardo Arroyo, Liliana Porter, Mon Montoya, Esperanza D'Ors, Antonio Gómez, Alfredo Jaar, Antón Patiño, Maite Cajaraville, Rafa Sendin, Miki Leal y  Martín Sastre.
Presencias y Ausencias. El cuarto bloque temático está dedicado a los distintos modos de introducción de la presencia y de la ausencia dentro de las piezas artísticas seleccionadas. En él podemos encontrar reflexiones en torno al cuerpo, al espacio, al tiempo como tránsito, a la huella como ausencia, como memoria o como pérdida, así como a otras realidades conceptuales relacionadas con la imagen desaparecida o sustraída del presente o de una visión poética y metafórica. Los autores son Helena Almeida, Juan José Aquerreta, Ramón Herreros, Carmen Calvo, Luis Claramunt, Florentino Díaz Flores, José Mª Larrondo, Abraham Lacalle, Juan Carlos Lázaro, Víctor Almeida, Ignacio Llamas y Juan Carlos Martínez.

Poéticas del Fragmento. Este último apartado está dedicado a las poéticas en las que prima el fragmento como núcleo de iniciación y desarrollo creativo. Pueden observarse piezas de carácter abstracto, todas ellas deudoras de una cierta iconoclasia para promover nuevos recursos, o una visión neosurrealista con citas posthistóricas. Hay obras que se inscriben en una abstracción de carácter analítico y, a veces, en una abstracción de carácter orgánico.
Conectados con el fragmento se presentan diferentes trabajos bidimensionales y diversos objetos de carácter escultórico que agrupan en sí ámbitos contextuales distintos. En este apartado tiene, también, cabida el concepto de archivo y de acumulación, en relación a la superposición de fragmentos de tiempo y de restos de experiencias vividas. Los autores son Luis Canelo, Ignacio Tovar, Carlos Pazos, Fernando Sinaga, José Pedro Croft, Felicidad Moreno, Daniel Canogar, Lourdes Murillo, Roberto Coromina, Roberto Mollá, Manu Muniategiandikoetxea, Eduardo Barco, Emilio Gañán y Javier Roz. 
Inauguración: Jueves, 6 de Junio de 2013 a las 19,30 horas
Horario de visita: De martes a sábados, de 9,00 a 15,00 horas. Domingos, de 10,00 a 15,00 horas
 

viernes, 1 de febrero de 2013

Exposición "Trayectorias"


Trayectorias
Diez años de vídeo y fotografía en la Colección Coca-Cola
Del 15 de Enero al 28 de Febrero
 
La exposición «Trayectorias: diez años de vídeo y fotografía en la Colección Coca-Cola» refleja la producción artística de los fotógrafos y videocreadores españoles y portugueses que escriben la Historia del Arte del siglo XXI. No hay una historia cerrada de la primera década de nuestro siglo, quizás porque la historia es una forma de estructurar el presente en función del pasado y de ese futuro en el que queremos participar.
 
Fotografía y vídeo, dos de los medios más usados por los artistas en la última década, son el soporte que permite reflexionar, a través de las obras expuestas, sobre las diversas trayectorias creativas dentro del  arte de la Península Ibérica. 
 
La Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación Coca-Cola Juan Manuel Sáinz de Vicuña es un proyecto abierto que plantea un continuo diálogo con el arte de nuestros días y se hace cómplice  de la constante expansión del arte contemporáneo.
 
Desde su constitución en 1993 la Colección ha reunido un importante conjunto de obras de la creación artística de la Península Ibérica, apasionante y llena de contrastes, que responde al compromiso de la Fundación Coca-Cola con el arte y los artistas de las dos últimas décadas, colaborando a ampliar el conocimiento, la comprensión y la participación de nuestro país en el arte contemporáneo.
 
La Fundación Coca-Cola tiene el compromiso de ir completando y dando forma a la Colección con la adquisición de obras que expresan la variedad de temas sobre los que reflexionan los artistas de nuestro tiempo, haciéndonos partícipes de lo que ocurre a nuestro alrededor de una forma real, poética y en muchos casos visionaria, pero siempre única.
Lorena Martínez de Corral, Comisaria
 
La exposición llega a Cáceres, tras su paso por las salas del MEIAC en Badajoz, gracias a la colaboración establecida entre la Consejería de Educación y Cultura del Gobierno de Extremadura y la Excma. Diputación Provincial de Cáceres con la Fundación Coca-Cola, con el apoyo del Excmo. Ayuntamiento de Cáceres. La muestra podrá visitarse durante  las mismas  fechas  en sus  dos sedes  del  Museo de Cáceres y de la Sala El Brocense, dependiente de la Excma. Diputación de Cáceres.
 
 

lunes, 26 de noviembre de 2012

Conferencia. Sorolla, Ortiz Echagüe y la indumentaria tradicional en la provincia de Cáceres

 
Mañana martes, 27 de Noviembre, finaliza el Ciclo de Conferencias “Historia y Patrimonio cultural de Cáceres (II)” que ha sido organizado por el Museo de Cáceres y la Asociación "Adaegina" Amigos del Museo de Cáceres. En esta ocasión, la conferencia que comenzará a las 19,45 horas, lleva por título “Sorolla, Ortiz Echagüe y la indumentaria tradicional en la provincia de Cáceres”, y será impartida por D. Juan M. Valadés Sierra, Director del Museo de Cáceres y Socio de “Adaegina”. 

Juan M. Valadés Sierra es Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad Complutense de Madrid, en la especialidad de Prehistoria y Etnología. Ha sido Técnico Superior en el Instituto de Conservación y Restauración de Bienes Culturales del Ministerio de Cultura (actualmente Instituto del Patrimonio Cultural de España), (1986-1994) y  Profesor Asociado de la Universidad Complutense de Madrid (1992-1997); ha trabajado también como Técnico Superior de Museos (1994-1995) y Conservador de Museos (1995-1997) en el Museo Nacional de Antropología (antiguo Museo del Pueblo Español).



Desde Mayo de 1997 es Director del Museo de Cáceres, donde viene desarrollando una intensa actividad de difusión cultural además de redactar el Plan Museológico que habrá de servir para la rehabilitación integral de los edificios del Museo por el Ministerio de Educación y Cultura; además, es vocal del Consejo Rector del Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás (Cáceres), Delegado para Extremadura del Consejo Internacional de Museos (ICOM-CE), miembro de la Asociación Profesional de Museólogos de España, de la Asociación Española de Museólogos y de la Plataforma Transfronteriza de Museos “Mouseion”, además de miembro del Consejo de Redacción de la revista Etnicex editada por la Asociación Profesional Extremeña de Antropología.



Acerca de la emigración extremeña durante la segunda mitad del siglo XX ha publicado dos libros y una decena de artículos. Además es autor de numerosos trabajos sobre Patrimonio cultural y Museología, que ha publicado en revistas como Revista de Dialectología y Tradiciones Populares, Anales del Museo Nacional de Antropología, Revista de Estudios Extremeños, Revista de Extremadura, Alcántara, Museo, Revista de Arqueología, Ars et Sapientia, etc.


Entre sus publicaciones más recientes se encuentran “El Museo, de albacea de la memoria a producto turístico”, en la obra colectiva Bienes culturales, turismo y desarrollo sostenible (Sevilla, 2010) o los artículos “Museos locales y museos provinciales en Extremadura. Una mirada crítica”, en Revista de Estudios Extremeños (2010) y “Vivir como un cura. El hogar de un clérigo acomodado en Extremadura al final del Antiguo Régimen”, en la revista Etnicex (2011).



En 1994 publicó el artículo “La indumentaria como símbolo regional. La tradición inventada en el caso del traje femenino de Montehermoso”, y en la actualidad está ultimando una nueva publicación sobre la indumentaria tradicional y la identidad extremeña, parte de la cual conforma la conferencia que hoy ofrece.




 

miércoles, 12 de septiembre de 2012

Mujeres: tipos y estereotipos


Mujeres: tipos y estereotipos

Fotografías de José Ortiz Echagüe

Del 13 de Septiembre al 30 de Noviembre



La obra del fotógrafo José Ortiz Echagüe (Guadalajara, 1886 – Madrid, 1980) es hoy día una de las más valoradas por quienes se dedican al estudio de la fotografía española del siglo XX. La exposición Mujeres: tipos y estereotipos. Fotografías de José Ortiz Echagüe contiene una selección de obras de los fondos conservados en el Museo de Traje Centro de Investigación del Patrimonio Etnológico del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; el recorrido expositivo permite acercarse a uno de los grandes afanes de Ortiz Echagüe, el de documentar tipos humanos en vías de desaparición, especialmente visibles en sus retratos femeninos. 

La exposición que presentamos ha sido posible gracias a la iniciativa del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y, tras haber itinerado por otras Comunidades Autónomas, llega a nuestra región de la mano de la Consejería de Educación y Cultura y del Instituto de la Mujer del Gobierno de Extremadura.

La intención documental que es común a la fotografía de los primeros decenios del siglo XX se ve enriquecida en el caso de Ortiz Echagüe con un vivo interés por la recreación de la vida popular española y, sobre todo, con su intencionalidad artística, patente en las cuidadas composiciones, la estudiada iluminación y una técnica personal y artesana de positivado al carbón directo sobre papel Fresson, que ya era retardataria cuando nuestro artista comenzó a usarla.
Ingeniero militar y piloto, Ortiz Echagüe desarrolló una brillante carrera profesional que le llevó a dirigir grandes empresas como CASA (Construcciones Aeronáuticas S.A.) o SEAT. Imbuído del espíritu regeneracionista del 98, en su obra fotográfica buscó, sin embargo, la plasmación de una España prístina, atemporal e incontaminada que desaparecía a ojos vista plasmada en el folklore, los monumentos, las tradiciones o los trajes populares.
Para fijar esa imagen premoderna de España, el artista no dudó en construir, elaborar o incluso inventar motivos o escenas cuando lo consideró conveniente; su serie España: tipos y trajes es una clara muestra de ello, con tipos humanos, escenarios y rituales que Ortiz Echagüe comenzó a fotografiar hacia 1915 y que empezó a publicar desde 1929 en su famoso libro del que llegó a conocer una docena de ediciones hasta 1971. 

El valor artístico de la obra de Echagüe ha sido considerado siempre por la crítica científica muy por encima de su importancia documental; él mismo reconocía la preparación de sus escenas colocando a los modelos y haciéndoles vestir las incómodas ropas de sus antepasados, recorriendo además las mismas rutas culturales que otros artistas, como Sorolla, habían marcado para recuperar esa España que se perdía ante el avance de la modernidad. Pero del aprecio artístico suscitado por su obra da idea el que se viera reflejada en filmes como La Aldea Maldita (Florián Rey, 1930 y 1942) o Boda en Castilla (Augusto García Viñolas, 1941) o en el propio Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937.
En lugar de representar a las personas desarrollando su vida cotidiana en el contexto en que viven, Ortiz Echagüe elige el primer plano como medio de aislar al personaje y, de alguna manera, convertirlo en un icono. En el caso de la mujer, mucho más representada por la mayor riqueza e interés de su indumentaria, las fotografías no están exentas de una cierta carga sexual, buscando el artista aumentar el misterio que se intuye tras los mantos y velos que a menudo cubren total o parcialmente el rostro femenino.
Junto al juego del descubrimiento de lo oculto, Ortiz Echagüe nos ofrece también la complicidad en muchos de sus retratos, reflejada en una mirada o en un gesto de clara sensualidad; por el contrario, en otras ocasiones la mujer baja la mirada como intimidada por el hombre que es el fotógrafo. En todo caso, la mujer aparece como modelo pasiva, a la que los pesados ropajes y los cuidados encuadres confieren esa sensación de inmutabilidad y permanencia que otorga atemporalidad a la obra de Echagüe. 
Entre las más destacadas obras de nuestro artista, hay que reseñar la serie realizada en Montehermoso en 1931; con ella, Ortiz Echagüe logra unas escenas ya clásicas que, junto a la pintura de Sorolla conservada en la Hispanic Society de nueva York, han influido determinantemente para que el traje femenino de Montehermoso sea el símbolo de Extremadura que hoy es.   

 

viernes, 29 de junio de 2012

La pieza del mes. Julio de 2012


Rafael Romero, El Gallina (1981)
José E. Lamarca (San Isidro, Buenos Aires, 1939)
Fotografía en blanco y negro
 
 
La fugacidad puede capturarse. Es posible hacerla palpitar entre los blancos y negros de una fotografía. Contra el propio corazón. La emoción puede retratarse; la ha atrapado para siempre la sensible lente de Lamarca.
El argentino José E. Lamarca nace en  San Isidro, Buenos Aires en 1939 y en los años sesenta se inicia como fotógrafo realizando trabajos de documentación periodística. En esa época entabla relación profesional con los fotógrafos Rolando Paiva y Humberto Rivas y retrata a numerosos escritores y artistas de su país. Ejerció de fotógrafo sindical para denunciar las condiciones de vida de diversos colectivos de trabajadores de Argentina y Chile, y esto le costó el exilio. En 1972 huyó de Argentina acompañando al ballet de Antonio Gades y se instaló en España.
Tras largos años de intensa relación personal con los flamencos, Lamarca ha realizado una importante memoria gráfica de la historia del cante, el toque y el baile de las últimas décadas. Ha rehuido, por lo general, fotografiar a los artistas en el escenario, entre la maraña entorpecedora de micrófonos, y ha buscado el retratarlos en su propio medio, en escenas cotidianas o en el estudio, para acentuar con su visión la personalidad de cada uno de sus modelos.
Los retrata con la sobriedad inquietante del blanco y negro. Lo hace de forma árida, directa, dura y entrañable a un tiempo, mágica y real, sin concesiones, como es el arte del flamenco. La mirada que Lamarca proyecta sobre sus retratados es sosegada y la sencillez con que ilumina las escenas posibilita que el espectador contemple sin obstáculos ni indicaciones añadidas a unos personajes que tienen un universo propio.
Poco importa que la imagen haya sido captada hace cuarenta años o antes de ayer, la firma del artista es inconfundible, porque se trata de un autor que posee el talento de estar a la vez presente y ausente, de permitir al sujeto manifestarse entre unas refinadas fronteras tácitamente prefijadas; es el retratista discreto, aislado del mundanal ruido y del artificio, que reconoce al otro y da testimonio de su existencia.
La fotografía que exponemos nos muestra a Rafael Romero, “El Gallina”, cantaor nacido en Andújar (Jaén), en 1910. Con un cante fuerte, hondo y al mismo tiempo lleno de sutileza sacada del corazón, ha sido premiado en numerosas ocasiones, sobre todo con el Premio Nacional de Cante en 1973 y 1974.
Esta fotografía formó parte de la exposición “Elke Stolzenberg y José Lamarca” celebrada en el Museo de Cáceres en 1999, que daba a conocer las obras de estos dos fotógrafos que viven por y para el flamenco, y al año siguiente ingresa en el Museo, como depósito de la Junta de Extremadura, junto a otra del mismo artista, “Paco de Lucía y Camarón”.
 
 

viernes, 30 de septiembre de 2011

La pieza del mes. Octubre de 2011





«Seduzir»

Helena Almeida (Lisboa, Portugal, 1934)

Fotografía en Blanco y Negro (2002)



 “Mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra". Con estas pocas palabras, Helena Almeida intenta resumir el contenido de un trabajo en que la propia artista es el objeto retratado. Aunque en diferentes etapas de su vida ha recurrido a la escultura o la pintura para manifestarse, la fotografía es el lenguaje en el que la creadora lisboeta ha compendiado las otras formas de expresión artística.


Helena Almeida se ha convertido en uno de los valores más seguros del arte portugués contemporáneo. Sus obras no pasan inadvertidas, siempre identificables por su hibridación entre el body art, la performance, el conceptualismo, la fotografía y la pintura. Sus series pueden parecer adscritas a todas estas tendencias, pero en realidad no son ninguna de ellas plenamente, sino que, en definitiva, se convierten en una original propuesta de comunicación artística.


Tras sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa, en 1964 viaja a París, donde comienza a interesarse por la abstracción y la representación volumétrica, siendo éste el primer paso para conseguir acercarse a las corrientes conceptualistas, actitud básica para la forma individual de expresión que ahora reconocemos. La mezcla técnica entre lo fotográfico y lo pictórico, con su propio cuerpo como motivo central, es el modo de Almeida de conseguir ese punto de reflexión ante la realidad o virtualidad del espacio, ante la noción de modelo y de lo que está representado.


Es por ello que su cuerpo se convierte, de este modo, en objeto y sujeto al mismo tiempo, sin ser body art ya que no es una exaltación de su condición física sino una exploración de su subjetividad. Tampoco es una performance, sus series no reflejan el proceso de una acción sino todo lo contrario. Lo que importa es el resultado final que la artista ha concebido y que en ningún momento tiene carácter efímero.


Sus autorretratos fotográficos en blanco y negro son a menudo transformados por pinceladas de colores puros -azul símbolo de espacio, blanco de purificación, negro de densidad o rojo de drama y composición- o líneas dibujadas. De esta forma, dejan igualmente de ser fotos, ya que son estas intervenciones las que completan la obra, dándoles una cualidad pictórica ineludible, y al mismo tiempo las que dan a la imagen una poética y narratividad determinada, no conferida sino en lo que capta el objetivo de la cámara.


Su obra está presente en colecciones como las del CGAC de Santiago de Compostela, la Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa, la Fundação Serralves de Oporto, el MNCARS de Madrid o el MACBA de Barcelona.


La obra «Seduzir» (Seducir, en castellano) pertenece a la serie homónima, de 2002, con la que la artista deja atrás sus «pinturas deshabitadas» de la década de los setenta para remarcar la existencia de su propio cuerpo, captando la atención del espectador por medio de la representación de sus manos y pies.


Fue adquirida por la Junta de Extremadura en la Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo – Foro Sur 2010 y depositada en el Museo de Cáceres para formar parte de su Sección de Bellas Artes.

martes, 10 de mayo de 2011

Escrito en el tiempo



Escrito en el tiempo

Escritura y escrituras en la colección del Museo de Cáceres

Del 18 de Mayo al 30 de Octubre de 2011


La escritura que a veces aparece sobre los objetos de los museos, o forma parte de ellos, les añade una información que los individualiza y enriquece, y nos ayuda a saber más sobre las piezas y sobre quienes las hicieron y utilizaron.


La exposición “Escrito en el tiempo” invita a reflexionar sobre el valor añadido que la escritura supone en objetos de la colección del Museo de Cáceres no expuestos habitualmente. Quienes dejaron sobre estas piezas los testimonios escritos que aquí se recogen, en realidad estaban escribiendo en el tiempo, superando la dimensión temporal para fijar la memoria de su existencia muchos años después de su desaparición física.


La muestra se divide en nueve bloques temáticos que abordan el tema principal desde diferentes puntos de vista. El primero de ellos, “Escritura sin escritura”, acerca al visitante a las manifestaciones gráficas anteriores a la escritura cuyo valor y significado es incierto, pero que tal vez puedan considerarse como escritura, es decir, signos trazados para emitir un mensaje, sin escritura, o sea, representación gráfica del lenguaje hablado.


A continuación, el bloque titulado “Escrituras” plantea los orígenes de los sistemas de escritura, su difusión y la variedad de sistemas que se ha llegado a alcanzar, a través de objetos de la colección del Museo; se muestran piezas con escritura jeroglífica egipcia, escritura del suroeste, ibérica, griega, latina y árabe. El bloque siguiente se refiere a los distintos soportes sobre los que los artesanos y artistas han dejado sus textos, comprendiendo la cerámica, la madera, la cera, la piedra y distintos metales, el vidrio, el yeso y, por supuesto, el papel.


Entre las funciones de la escritura, se han escogido tres aspectos que han sido básicos a lo largo de la Historia y en cualquier cultura, en primer lugar el de la identificación de los objetos o lugares, plasmado en piezas como pesas de diferentes sistemas, monedas, grabados, una placa con el nombre de una calle cacereña o un tarro de farmacia identificando su contenido. Otro de los cometidos recogidos en la muestra es el de la propaganda o glorificación del poder terrenal o celestial, a través del bloque titulado “Escritura para ensalzar”, en el que destacan campos como la numismática o la medallística, pero también un amplio panorama de artículos de lujo u obras de arte que contribuyen al ensalzamiento del poder. El tercero de estos aspectos es el de la escritura como vehículo para la dedicatoria de los objetos presentados; aquí se puede contemplar una inscripción votiva romana, así como lápidas funerarias cristianas e islámicas, cerámica, libros y hasta un recordatorio de primera comunión.


La exposición presta también atención a otras utilidades de la escritura sobre los objetos, como la identificación de la autoría y de la propiedad, algo usual en todas las épocas y culturas, reflejado en cerámicas, textiles, herramientas, joyas, enseres domésticos, pinturas, esculturas, etc.


Finalmente, se llama la atención sobre la escritura como medio de comunicación, a través del cual las personas de hace cientos o miles de años han podido transmitir mensajes de todo tipo, desde las cuentas de una transacción comercial a útiles consejos para la vida. Son mensajes que nos dejaron escritos en el tiempo.



martes, 11 de mayo de 2010

Camino blanco. Ofelia

Visita la exposición "Camino Blanco. Ofelia" con obras de Paloma Souto y fotografías de Andrés H. Zuazo



Del 23 de Abril al 6 de Junio de 2010

lunes, 19 de abril de 2010

Camino blanco. Ofelia


Obras de Paloma Souto y fotografías de Andrés H. Zuazo
Del 23 de Abril al 6 de Junio


La artista gallega Paloma Souto invade el aljibe del Museo cacereño y nos invita a un viaje hacia el bosque de su Galicia natal, hacia una infancia donde árboles y lagunas le permiten mezclar los mitos tradicionales de la cultura gallega con sus propios recuerdos infantiles, que a lo largo de los años acabaron convirtiéndose en otros tantos mitos personales.


La muestra está estructurada en dos partes. Por un lado, en la sala de exposiciones temporales se presenta una serie de cuadros, que a modo de las estaciones de un Vía Crucis, representan las doce clases de árboles con los que los peregrinos a Compostela pueden encontrarse en el Camino Francés. Se acompañan con fotografías de Andrés H. Zuazo, que se recrea con mucho detenimiento en el análisis del aspecto matérico de la naturaleza. De esta manera, la fotografía nos mantiene del lado de la realidad y sólo es capaz de interpretarla, mientras lo propio de la pintura es reinventarla totalmente.


Por otro lado, Souto se vale del sentido de misterio propio de cualquier tipo de gruta o caverna que tiene el aljibe, y realiza una proyección sobre la superficie del agua de una reproducción de la Ofelia pintada por Millet y de una laguna rodeada por los abedules del bosque de su infancia. De esta forma, sitúa claramente el agua del aljibe en el campo del agua hostil, del agua negra de los cuentos de Poe ajena a la risa clara y alegre de las fuentes.


La exposición ha sido comisariada por Miguel Cereceda, y los textos del catálogo son de la autoría de Michel Hubert.


Inauguración: Viernes, 23 de Abril a las 20,30 horas.