La Pieza del mes. Abril de 2015

«La Cena de Emaús»
Domingo Martínez Aparisi (Valencia, 1822 – Madrid, 1892)
Cobre; aguafuerte y buril, talla dulce

 

 

 

Aunque no coinciden en el lugar ni en el número, los evangelistas hablan de las numerosas apariciones que hizo Jesús en Judea y Galilea, durante los cuarenta días que pasó en la tierra entre la Resurrección y la Ascensión. Una de estas apariciones fue a los peregrinos de Emaús, y sólo se encuentra detallada en el Evangelio de San Lucas.

 

Jesús se unió a dos peregrinos que se dirigían a Emaús, cerca de Jerusalén, y como estaba anocheciendo, éstos le pidieron a su compañero desconocido que compartiese la cena con ellos. Él cogió el pan, lo partió sin emplear el cuchillo, y se lo dio; por este signo, los caminantes reconocieron a Jesús, al actuar del mismo modo que en la Última Cena, donde tomó pan, lo bendijo, lo partió, y dándoselo a sus discípulos dijo: “Tomad y comed, éste es mi cuerpo”, dando lugar a la institución del Sacramento de la Eucaristía.

Esta comida eucarística, donde Cristo resucitado se revela por la fractio panis, parece una repetición reducida de la Santa Cena, con sólo tres comensales en lugar de trece. El sentido de esta historia es probar, mostrando a Cristo sentado a la mesa, que éste no era un espectro, un fantasma, sino un resucitado de carne y hueso.

 

El pintor Domingo Martínez, dibuja y graba “La cena de Emaús” a partir de la pintura de Tiziano de 1530; la escena se sitúa en un interior, alrededor de una elegante mesa cubierta con un mantel blanco cuyos pliegues están correctamente resaltados. Cristo se sitúa en el centro de la composición, desequilibrada al presentar tres figuras a la izquierda y solo una a la derecha -a los tres comensales se unen dos sirvientes-. Bajo la mesa, un perro y un gato se enfrentan, dotando a la escena de mayor naturalismo y cotidianeidad.

Domingo Martínez Aparisi, nacido en Valencia en 1822, fue pintor y grabador en dulce. Estudió en la Real Academia de San Fernando, donde llegó a ser profesor de la clase de Grabado en acero. Con esta estampa consiguió medalla de segunda clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1856; la letra fue grabada por José Nicolau en 1882. La estampa fue grabada en la Real Calcografía, fundada en 1789 con la intención de impulsar el arte del grabado y difundir las obras de los grandes maestros. Ingresó en el Museo de Cáceres en julio de 1919, formando parte de un conjunto de 490 monedas y 219 estampas grabadas procedente del Instituto General y Técnico de Cáceres.

Tebeos de posguerra

Del 11 de marzo al 3 de mayo de 2015

 

Esta exposición es una invitación a evocar un tiempo pasado que fue decisivo para la sociedad española y un desafío a la memoria colectiva e individual. La muestra presenta un recorrido emocional e intelectual por veinte años de publicaciones infantiles, juveniles y de adultos, que ejercieron una influencia innegable en la población española de aquellos años. El alcance de aquellos mensajes está aún por interpretar.

 

 

En la muestra pueden verse ejemplares de míticas historietas como Hazañas Bélicas, Roberto Alcázar y Pedrín y un largo etcétera, hasta la irrupción en escena de la Escuela Bruguera con su amplia nómina de personajes rocambolescos; una vuelta, en definitiva, por la historia del tebeo en nuestro país.

 

La muestra recoge un importante conjunto de ejemplares de las publicaciones de entretenimiento infantil que surgieron y desarrollaron su existencia durante los años de la posguerra española, reunidos por el coleccionista Luis Conde Martín, que también actúa como comisario de la exposición. La muestra que se presenta en el Museo de Cáceres supone un recorrido por los personajes y las historias que formaron parte de la infancia de miles de españoles en unos años en los que la inocencia duraba poco tiempo y en el que las preocupaciones más propias del mundo adulto condicionaban la infancia. A través de las páginas y dibujos expuestos se puede ver la larga mano de la censura eclesiástica, el peso del hambre, la picaresca adueñada de unas calles llenas de pobreza, y por encima de todo, la necesidad de llenar con fantasía y normalidad la vida de una juventud cortada de raíz por la historia.

 

Por otro lado, hay que destacar la importancia del coleccionismo de los tebeos en España que, aparte de preservar los materiales como documentos imprescindibles, ha contribuido a mantener vivo el recuerdo de un tiempo pasado y ha propiciado su recuperación, a través de los clubes y asociaciones culturales de todo tipo, o de la edición de facsímiles de colecciones inencontrables, permitiendo, de esta manera, su revisión crítica.

Horario de visita:

Martes a sábados de 9,00 a 15,00. Domingos de 10,00 a 15,00. Lunes cerrado.

Historia(s) de Mujer(es)

Día Internacional de la Mujer

8 de marzo de 2015

Un año más, y para conmemorar el Día Internacional de la Mujer, el Museo de Cáceres ha programado una actividad que se llevará a cabo en la mañana del domingo 8 de marzo bajo el título “Historia(s) de Mujer(es)”.

Como es sabido, el discurso cultural dominante ha venido ofreciendo una explicación de la Historia y del Arte marcadamente centrada en el papel protagonista de los hombres, quedando la mujer relegada a un plano anecdótico o, en el mejor de los casos, a un papel secundario en la existencia humana.

La realidad ha sido muy diferente de ese discurso dominante, ya que la mujer ha tenido siempre un papel fundamental en las múltiples facetas de la vida. Las colecciones de los museos, y entre ellas las del Museo de Cáceres, recogen ese papel esencial de la mujer en determinados objetos que nos recuerdan el pasado y el presente de esa mitad de la Humanidad tan injustamente relegada al olvido.

Con “Historia(s) de Mujer(es)” tratamos de resaltar una serie de objetos, estrechamente vinculados al mundo de la mujer, que forman parte de la exposición permanente del Museo de Cáceres. Estos objetos, seleccionados como pinceladas a lo largo del recorrido habitual de nuestras salas, nos trasladan la importancia de la mujer en  diferentes aspectos de la cultura, que van desde la reproducción y la educación de los más jóvenes a la religión, la producción de recursos, la economía y el comercio, la transmisión de valores o la creación artística. Para ello, ofrecemos una visita guiada complementada con la danza artística que recorrerá las secciones de Arqueología, Etnografía y Bellas Artes deteniéndose en determinadas piezas clave que resaltan el papel de la mujer, las cuales serán distinguidas con textos explicativos específicos. La bailarina profesional Gema Ortiz completará el recorrido con danzas especialmente relacionadas con el ámbito cultural y temático de las distintas áreas recorridas y explicadas en el Museo.

La visita guiada tendrá lugar el domingo, 8 de marzo, a las 11,30 horas; es una iniciativa gratuita y no es preciso inscribirse previamente, si bien queda limitada a la participación de un máximo de 25 personas por orden de llegada. No obstante, los textos explicativos de las piezas seleccionadas a lo largo del recorrido permanecerán expuestos hasta el próximo 22 de marzo, pudiendo realizarse visitas libres en el horario habitual del Museo.

La pieza del mes. Enero de 2015

«Bodegón» (1895)
Felipe Checa Delicado (Badajoz, 1844-1906)
Óleo sobre lienzo

Cáceres ostentará durante todo el año 2015 el título de Capital Española de la Gastronomía. El Museo de Cáceres quiere unirse a esta distinción mostrando a lo largo del año doce Piezas del Mes relacionadas con la gastronomía o la alimentación; iniciamos el ciclo con esta obra de Felipe Checa Delicado, considerado uno de los pintores que mejor representa la pintura de bodegón en Extremadura.

 

Felipe Checa comenzó a estudiar en 1864 en la escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, siendo discípulo del aragonés Pablo Gonzalvo. Como era práctica habitual, completó su formación con copias de los grandes maestros en el Museo del Prado y a partir de 1867 obtuvo una pensión de la Diputación Provincial de Badajoz para continuar sus estudios en Madrid. Su formación fue puramente académica, basada en el dibujo riguroso, la técnica preciosista, el buen oficio, los colores brillantes y la preocupación por las calidades. Participó en varias Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, y junto a la actividad principal dedicada a la práctica de la pintura, destacan también su labor docente como profesor en la Escuela de Dibujo y Pintura de Badajoz, y su faceta literaria a través de artículos periodísticos.

 

Felipe Checa fue un pintor clásico. Su pintura viene definida por el realismo y el detallismo que refuerza las calidades de los objetos, el colorismo vigoroso, el dominio de la luz, las pinceladas acertadas, las composiciones muy maduradas y una factura impecable. Dentro de la producción pictórica de Felipe Checa destacan sus cuadros de género, la pintura de flores y el bodegón, siendo este último el tema predilecto del artista, en el que se muestra con toda brillantez, dominio y maestría.

 

Sus bodegones presentan un lenguaje realista. Los objetos se disponen muy cerca del espectador, normalmente sobre una mesa de cocina, con un punto de vista ligeramente elevado y sobre un fondo neutro. Las frutas y los cacharros de barro y metal son los más representados, destacando la calidad de su acabado. En menor grado representó piezas de caza y pesca, como la cabeza de pescado de este bodegón; en sus naturalezas muertas no hay preocupación por la simetría ni desorden en la composición, sino una disposición de los objetos minuciosamente calculada que da como resultado una elegante ordenación compositiva. El dibujo cuidado, el color natural de los objetos, el juego de los volúmenes y las calidades de los elementos que integran el cuadro dotan al bodegón de Checa de un intenso naturalismo, al que contribuye eficazmente la luz, siempre lateral y con mayor frecuencia desde la izquierda.

 

Checa representa los objetos por el valor que tienen en sí mismos, sin otra atribución y sin el simbolismo al que recurren otros autores, de modo que sus bodegones no es preciso interpretarlos, sino disfrutarlos con su contemplación. Esta obra fue depositada por el Museo del Prado en el Museo de Cáceres en 1949, junto con otro bodegón del mismo autor, para formar parte de la Sección de Bellas Artes.

Conferencia. 13 de noviembre

Una aproximación al Patrimonio Histórico y Artístico de Ceclavín, de la mano de un excelente conocedor, el profesor, investigador y miembro de la Asociación "Adaegina" Amigos del Museo de Cáceres, D. Fernando Claros Vicario.

La pieza del mes. Octubre 2014

 

«La ninfa Monfragüe» (2007)

Hilario Bravo (Cáceres, 1955)

Serigrafía

El grabado Monfragüe pertenece a la serie Dríada, la ninfa sedienta, portfolio de serigrafías que Hilario Bravo, artista de larga y reconocida trayectoria, preparó en 2007, el cual fue expuesto por primera vez en el Museo de Cáceres en el mes de abril de ese mismo año. Ciertamente, nuestro grabado debe comprenderse no sólo en el contexto de la citada serie –pues, en verdad, forma parte de un tríptico geográfico en torno a enclaves de Extremadura relacionados con el agua: el Tajo, el Guadiana, y, entre ambos, Monfragüe– y en el del conjunto de la rica obra del pintor, pero también resulta interesante el diálogo que de manera individualizada éste puede establecer con quien lo contempla, más si es la primera vez que fija sus ojos en la imagen.

 

La lámina, de marcada verticalidad, se ofrece con una disposición heráldica, como un escudo con tres cuarteles, siendo el inferior el que ocupa el espacio más amplio.  Entre los tres cuarteles se distribuye la denominación del entorno, mediante la caída de la palabra que da nombre al mismo hasta la parte inferior del grabado. Así, los cuarteles superiores presentan las dos primeras letras, apenas camufladas con unos trazos de volúmenes montañosos y con la forma de los puentes del lugar en el caso de la M y con un sol en lo que se refiere a la O. Sobrepuesta entre las dos partes horizontales, la segunda N, cuyo trazo se alarga hasta ser casi otra M duplicada, da paso a los motivos pictográficos más evidentes: un pájaro como un recorte de collage, que representa el carácter de un paraje natural que es refugio ornitológico, y un manantío que se desborda hacia abajo al igual que sucede con las restantes letras a su derecha, deslizándose como las aguas de los ríos que giran en las estribaciones de Monfragüe.

 

El grabado es rico, sugerente y fuertemente polisémico al jugar con diferentes planos, que van, fundamentalmente, desde lo prealfabético hasta las letras. En efecto, Hilario plantea unas grafías de estilo naïf que camuflan las pinturas y grabados rupestres que existen en los roquedos de Monfragüe (en forma de soles y cazoletas –los puntos dispersos a lo largo de la lámina–) y añade unas letras de marcado carácter epigráfico, según muestran las guías del interlineado en el centro de la imagen, hasta llegar a la última sílaba, donde la minúscula domina jugando con el sonido de la palabra “agua”. Todo ello transmite la idea de que el entorno tuviera una voz no sólo audible sino, sobre todo, transcribible mediante la iconografía prealfabética y la escritura propiamente dicha, mostrada ésta desde su soporte en piedra hasta el propio material blando del grabado.

 

Pero es el título de la serie o “carpeta gráfica” el que ofrece la clave más relevante: la combinación entre árboles y aguas posee un sentido mitológico. El objetivo de Hilario parece ser así el de mostrar a la esquiva ninfa del lugar, a la “Dríada Monfragüe”, hecha de la vegetación y los fluídos que convergen en el entorno. El simbolismo femenino es evidente en el centro de la lámina, al mostrar un paisaje desde donde se vierten las aguas verticales que luego se embalsan y, por ello, se convierten en olas horizontales.

La exposición de esta serigrafía en un museo que es, al tiempo, arqueológico y de Bellas Artes se presenta como una excelente síntesis para quien visita y recorre todas sus salas.

 

Angélica García-Manso

Doctora en Historia del Arte e Historia del Cine

"Grandes Ángulos". Fotografías de ángel Pablo

“Grandes ángulos”. Exposición de fotografías panorámicas de Ángel Pablo

Museo de Cáceres, del 4 de septiembre al 12 de octubre

Ángel Pablo comenzó con la fotografía a la temprana edad de 14 años, haciendo fotos en blanco y negro, que él mismo desarrollaba en cuarto oscuro, con una cámara que pertenecía a su padre. Poco tiempo después comenzó con el diseño gráfico, realizando carteles y portadas de álbumes de música.

Ha viajado por algunos países de Europa. En los años ochenta del siglo pasado vivió en París, donde trabajó como fotógrafo y técnico de varias películas cinematográficas. En la siguiente década fue reportero gráfico del Diario de Cádiz, y también trabajó para otras publicaciones.

Tras una ausencia del mundo de la fotografía, entre 2001 y 2006, volvió en 2007 y comenzó a abrirse paso como artista de la imagen fija; en la actualidad, Ángel Pablo controla todos los formatos digitales, medio que le ha permitido reencontrarse con entusiasmo con la fotografía.

Ha expuesto sus obras en diversas salas de España, Francia, Bélgica y Portugal, en las que ha mostrado cómo los conceptos geométricos han influido en su creatividad.

Horario de visita:

Martes a sábado de 9,00 a 15,00. Domingo de 10,00 a 15,00. Lunes cerrado.

La pieza del mes. Julio de 2014

Virgen de la Ternura o Heleoúsa (2013)

Santiago Sánchez Junco (Salorino, 1983)

Mosaico

La Virgen de la Ternura (en griego Heleoúsa o Glykophilousa) es un tipo iconográfico de representación de la Virgen con el Niño en el que María sostiene a su Hijo en sus brazos y sus caras se tocan mientras Jesús extiende su brazo hasta tocar el hombro de su Madre. Es una forma de representar la tierna relación entre Madre e Hijo muy particular del arte bizantino, y que hunde sus raíces en la tradición cristiana de Egipto, el mundo copto; de ahí también la presencia en la parte superior de las conocidas abreviaturas griegas MP-ΘΥ (Μήτηρ Θεού), que significan «Madre de Dios».

A la relación de amor entre María y el Niño, a esa condición de Madre de Dios se la designa etimológicamente como Theotokos, y tiene la función de mostrar a los fieles a la Virgen como Madre de todos los cristianos; la Iglesia, como plasmación terrenal del amor materno de la Virgen, se configura así como el ámbito en que se produce la plenitud de la relación entre Dios y su pueblo, a través de la Madre común.

La obra que se expone recoge este modelo tradicional en la iconografía bizantina representado mediante la técnica del mosaico; así, el icono que habitualmente es pintado al temple sobre tabla se trata aquí con una técnica que, si bien es conocida y profusamente utilizada por este arte, suele serlo como revestimiento de muros y plasmando grandes escenas religiosas y civiles. Aquí, el artista ha querido aplicar el mosaico a esta pequeña obra de devoción y de carácter más intimista.

Los materiales utilizados son teselas cortadas de revestimiento cerámico o gresite junto a vidrio de diferentes tipos con pan de oro en su interior y otros elementos secundarios como vidrio Tiffany, DM, etc. En general, el artista ha buscado crear la sensación de tridimensionalidad mediante el juego con las diferentes alturas del material utilizado, lo que rompe el carácter plano que habitualmente caracteriza al icono bizantino. Al mismo tiempo, el minucioso trabajo permite la observación a escasa distancia utilizando las líneas de unión de las distintas piezas para dibujar el contorno de las figuras, incorporando influencias de la técnica de la taracea o el trencadís modernista.

Esta Pieza del mes, realizada por el joven artista cacereño Santiago Sánchez Junco, pertenece a una colección particular y ha sido expresamente cedida para su exposición durante el mes de julio.

 

De barro y esmalte. La colección de azulejos del Museo de Cáceres

Del 22 de mayo al 31 de agosto de 2014

Entre las colecciones más desonocidas del Museo de Cáceres se cuenta con un abundante y variado conjunto formado por más de 700 azulejos procedentes de distintos monumentos repartidos principalmente por la provincia de Cáceres, pero también por otros puntos de Extremdura y de España.

Las piezas, realizadas en cuerda seca, arista y mayólica, proceden de los principales alfares españoles, como Talavera de la Reina (Toledo), Toledo, Sevilla o Manises (Valencia), y se fechan entre los siglos XV y XIX.

En la colección se encuentran azulejos sueltos y también "de labor", formando composiciones de cuatro o más piezas, junto a otros azulejos rectangulares para los límites de las composiciones, llamados verduguillos, y piezas más pequeñas denominadas olambrillas, que servían para decorar suelos de barro sin vidriar combinando con las losas. Las piezas más grandes son los alizares, con dos caras decoradas que se usaban para alféizares, escalones o bordes de zócalos.

Muchos de los azulejos proceden de excavaciones arqueológicas llevadas a cabo en la provincia, destacando los que aparecieron en las obras de restauración del Monasterio de Yuste o del Convento de San Vicente Ferrer de Plasencia.

El Castillo y el Convento franciscano de Belvís de Monroy o el conventual de San Benito de Alcántara son otros de los lugares en que los azulejos ahora expuestos podían verse desde el siglo XVI. No faltan tampoco piezas hisóricas de lugares tan alejados como la fortaleza de la Rocha Blanca, en La Coruña, o las ciudades de Córdoba, Salamanca o Toledo. La muestra se completa con azulejos procedentes de Hinojal o de la propia ciudad de Cáceres.

Además, se ofrecen detalladas explicaciones sobre las técnicas y las tipologías, y se ha dispuesto un área didáctica y tiflológica donde es posible diferenciar técnicas y formatos mediante el tacto de las reproducciones expuestas.

El catálogo de la exposición ha sido editado gracias a la colaboración entre la Consejería de Educación y Cultura y la Asociación "Adaegina" Amigos del Museo de Cáceres.

Inauguración de la muestra: Jueves, 22 de mayo a las 11,00 de la mañana.

Horario de visita: De martes a sábado, de 9,00 a 15,00. Domingos y festivos de 10,00 a 15,00.

La pieza del mes. Abril de 2014

«Candelaria» (1933)
Enrique Pérez Comendador (1900-1981)
Escultura en piedra caliza policromada

 

Esta talla del escultor Enrique Pérez Comendador (Hervás, 1900 – Madrid, 1981) pertenece a la colección del Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás, y se expone en el marco del proyecto «Candelaria Itinerante», en el que participan el Museo Etnográfico Textil de Plasencia, El Museo de Cáceres y el Museo del Escultor Mateo Hernández de Béjar (Salamanca), además del propio Museo Pérez Comendador-Leroux de Hervás.

 

La obra en cuestión debe contextualizarse en un momento del Arte español marcado entre el año 1925, cuando Comendador ejecuta su primer monumento público, el busto de Gabriel y Galán en Cáceres, coincidiendo con la Exposición del Traje Regional Español y la Exposición de Artistas Ibéricos, y 1938, ya durante la guerra civil, en que Comendador realiza, poco antes de acabar su pensionado en Roma, su obra «Serenero» un desnudo femenino en madera.

 

Se sabe que tanto Pérez Comendador como su esposa, la pintora Magdalena Leroux, ya habían estado en Candelario (Salamanca) hacia 1930; por esos años, el escultor de Hervás cultiva profusamente la talla policromada en piedra, mármol, barro o madera, y paralelamente los trabajos del fotógrafo José Ortiz Echagüe dan a conocer esenciales aspectos artísticos de la indumentaria tradicional de Candelario. Todo ello coincide con el proceso de formación del Museo del Traje, surgido tras la exposición de 1925, que cristalizará en la fundación del Museo del Pueblo Español (1934).

 

Probablemente imbuido de ese ambiente de reivindicación artística del traje tradicional, Comendador crea una obra cuya policromía recupera el arte de los imagineros sevillanos del siglo XVI partiendo de la representación de un personaje de carne y hueso, Dña. Petra Muñoz, que aparece ataviada con las prendas típicas del traje de «Candelaria»: el jubón, el serenero o mantoncillo que cubre el talle, el moño «de picaporte» y el aderezo de filigrana. Esta representación humana y realista adquiere una dimensión casi sacra, al incorporar el dorado de la policromía y representar a la mujer al estilo de una Dama oferente, con una colodra, o vaso de cuerno, en la mano que inmediatamente trae a la memoria la referencia de la Dama de Elche, la cual Comendador había visto en el Louvre precisamente por esos años.

 

Por otro lado, el gesto de los brazos cruzados sobre el pecho es una inevitable referencia al arte oriental de raigambre egipcia, algo apreciable también en otra pequeña figura de Comendador que representa a una «Candelaria» de cuerpo entero adelantando su pie izquierdo al estilo de la estatuaria egipcia que también conoció el artista en sus visitas al Louvre en los primeros años de la década de 1930.

Candelaria itinerante

Presentación de "La Pieza del mes". Abril de 2014

Conferencia. 27 de marzo

Datación dendrocronológica de maderas históricas extremeñas

27 de marzo a las 20,45 horas

El jueves, 27 de marzo se ofrecerá una nueva conferencia de nuestro Ciclo sobre Historia y Patrimonio cultural de Cáceres, en su quinta edición. Es una iniciativa del Museo, en colaboración con la Asociación "Adaegina" Amigos del Museo de Cáceres, y versará sobre "Datación dendrocronológica de maderas históricas extremeñas", impartida por D. Daniel Patón Domínguez, profesor del Área de Ecología de la Universidad de Extremadura.

Daniel Patón es Doctor en Biología por la Universidad Autónoma de Madrid, y profesor del Área de Ecología, de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Extremadura; ha trabajado en diversas disciplinas desde el punto de vista de la aplicación de técnicas estadísticas a datos relacionados con diversas cuestiones de tipo biológico. Sus líneas de trabajo abarcan disciplinas como la zooarqueología, dendrocronología, esqueletocronología, interacción animal-pasto, desertificación, aplicación de los algoritmos genéticos, aplicación de las redes neuronales, análisis de la biomasa, gestión del ciervo, capacidad de carga, herpetología, ecología urbana, estudio de gradientes, etc... 

Es autor de decenas de trabajos de investigación en revistas y libros nacionales y extranjeros; ha formado parte del comité de expertos de diversas revistas científicas como Agricultura Técnica, Archivos de Zootécnia, Biological Conservation, Journal of Arid Environments, Ecological Modelling, Dendrochronologia, etc... 

La conferencia que impartirá en el Museo versará sobre una breve introducción a lo que es la dendrocronología, una disciplina para obtener cronologías relativas a partir del crecimiento de los anillos de los árboles, y una de sus aplicaciones, la dendroarqueología, para a continuación explicar el estado de desarrollo de las investigaciones sobre este tema que se vienen realizando en colaboración con el Museo de Cáceres.

El comienzo de la charla está fijado para las 19,45 horas y el acceso es libre y gratuito.

Entre Gata y La Vera. Nuestro patrimonio serrano

Dibujos a plumilla de Marín García

Del 29 de noviembre al 15 de enero 

 

 

Marín Cayetano García Agudo (Bañobárez, Salamanca, 1951), maestro de educación primaria, se formó con Zacarías González, de quien aprendió el valor del dibujo como medio de expresión y creación. Ha expuesto en diversas salas de España y Portugal, destacando el Paço da Independência y el Museu Nacional Militar en Lisboa, el Arquivo Distrital da Guarda, la Casa de las Conchas de Salamanca o los Museos provinciales de Ávila y Salamanca; además ha llevado su obra hasta el Archivo del Estado mexicano de Sinaloa.

 

Desde hace años, viene dedicando su tiempo a conocer y dibujar el Patrimonio Histórico más desconocido en ambientes rurales de España y Portugal. En este ámbito, ha dibujado y expuesto visiones del  Patrimonio en Madrid,  Béjar,  Almeida (Portugal), Cebreros, Ávila, Valle del Ambroz y un largo etcétera de lugares. Entre estos trabajos cabe destacar “Aldeias históricas portuguesas” (1996/1997), “Guaritas de Almeida” (2001), “Plazas de toros históricas de España” (2001/2), “Fortificaciones fronterizas de Portugal” (2008/2009), “Guaritas, arte e ingénio” (2009/10), “Los baluartes de Briançon, Chateau Queyrás y Mont Daufine” (2010/11) o “Rollos de justicia en Ávila” (2011). 

Marín expone, por vez primera en el Museo de Cáceres, un conjunto de dibujos a plumilla que ha venido realizando durante los últimos años en el norte de Extremadura, entre la Sierra de Gata y La Vera.

 

Su trabajo muestra con una delicada maestría y una fina sensibilidad una parte del rico Patrimonio histórico y artístico repartido por todo el tercio norte de la provincia cacereña, incidiendo especialmente en poblaciones y enclaves tan bellos como Hervás, Abadía, Segura de Toro, Garganta la Olla, Jarandilla, Jaraíz de la Vera, Viandar, Valverde de la Vera, Galisteo, Trevejo, etc.

 

En palabras del Prof. Santiago López Navia, el Patrimonio rural entraña la esencia del arte, el testimonio de las raíces históri-cas y el regalo intemporal de una belleza que trasciende el criterio de conservación para dejar que su espíritu se afirme y prevalezca por más que pasen los siglos. La valoración de ese patrimonio es el espíritu de la exposición de Marín en Cáceres. 

 

 

Una de las obras expuestas, la que aparece sobre estas líneas dedicada a Hervás, será sorteada por el artista entre los primeros 1.000 visitantes a la exposición. Más información en http://www.maringarcia.es/. 

 

La pieza del mes. Diciembre de 2013

«El Vittoriano» (1998)

Damián Flores Llanos (Acehúche, Cáceres,1963)

Óleo sobre lienzo

 

 

Pintor de solemnes arquitecturas, de solitarios paisajes y de silenciosos retratos, sus obras despiden calma, pero si uno se demora al contemplarlas es capaz de percibir en ellas el transcurrir de la vida, la fugacidad del hombre. Los cuadros de Damián Flores nacen de la realidad, porque todos tienen un referente real en alguna parte. Sin embargo, no es pintor de realidades concretas, ya que suele pervertir el referente, modificando perspectivas o aislándolo de su contexto para insertarlo en otro que le cuadre mejor.

 

Flores es un artista sensible que domina el espacio pictórico, el color y la luz, un pintor que posee una vasta cultura literaria e histórica, y un viajero incansable; tiene un ojo experto en la contemplación de los motivos arquitectónicos que particularmente le interesan. En él hay una atracción por la sobriedad de líneas, admira el racionalismo y la pureza geométrica de las formas y su inclinación hacia lo esencial de la arquitectura.

Además, es un excelente retratista. En los últimos años ha ido creando una especial galería de figuras del pasado y del presente, por él admiradas. Donde se incluyen escritores, arquitectos, pintores, compositores, fotógrafos, cineastas... Cada retrato es ocasión para una profunda reflexión sobre el universo del homenajeado, aunque a veces juega a la ubicación imposible, la descontextualización o el guiño cómplice.

 

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, especialidad de Grabado, ha realizado desde 1992 un buen número de exposiciones individuales y colectivas en galerías de Madrid, Santander, Córdoba, Cáceres... y ha participado en varias ediciones de la feria ARCO de Madrid. En 1996 estuvo becado por el Ministerio de Asuntos Exteriores en la Academia de España en Roma.

 

Cuentan con obra suya, entre otras instituciones, el Museo Municipal de Madrid, el Ministerio de Asuntos Exteriores, la Colección Unión FENOSA, el MEIAC de Badajoz, el Centro Galego de Arte Contemporáneo o la Universidad de Valencia.

 

Esta obra, titulada “El Vittoriano” –nombre por el que se conoce al Monumento Nacional a Vittorio Emmanuele II, en Roma-, pone de relieve esa manera de Damián Flores de captar los detalles a través del ojo de una cámara para plasmarlos después en el lienzo. Fue adquirida por la Junta de Extremadura en 2010 y depositada en el Museo de Cáceres para formar parte de su Sección de Bellas Artes.

 

Conferencia. 28 de noviembre

Jueves, 28 de Noviembre

19,45 horas

La estatuaria mariana medieval en la provincia de Cáceres. Entre el misterio y la aportación científica

Por D. José Antonio Ramos Rubio, Cronista Oficial de Trujillo, y D. Óscar de San Macario Sánchez, investigador

OSCAR DE SAN MACARIO SÁNCHEZ

Licenciado en Administración y dirección de Empresas. Escritor, tiene publicados varios artículos en revistas de Historia y Arte, ha publicado recientemente el libro “Las ermitas, oratorios y capillas de la Tierra de Cáceres” con José A. Ramos. Ha participado en Congresos y Jornadas de Historia, publicando en revistas y Actas artículos relacionados con la Antropología y el Folklore extremeño. Es fotógrafo Artístico Profesional.  Especialista en Terapia ocupacional neurológica y en ejercicios terapéuticos Cognoscitivos (Perfetti) y terapia complementaria, trastornos motores, médico acupuntor. Tiene en prensa dos libros sobre Patrimonio de Cáceres y Deleitosa.

JOSE ANTONIO RAMOS RUBIO

Doctor en Filosofía y Letras, especialidad Historia del Arte y Licenciado en Ciencias de la Información. Cronista Oficial de Trujillo. Ha ejercido como Profesor de Enseñanzas Medias durante 15 años. Funcionario por oposición del Excmo. Ayuntamiento de Trujillo,  Archivero, Gerente de la Oficina de Promoción y Planificación Turística, Asesor Histórico Artístico del Ayuntamiento de la Ciudad y de la Comisión de Seguimiento del Plan Especial. Académico Correspondiente de la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes, y Académico Correspondiente de la Real Academia de la Historia. Tiene publicados numerosos artículos en revistas internacionales, nacionales y locales; cofundador y coordinador de varias revistas como Extremadura con Romano García o Ars Et Sapientia, durante 12 años miembro del Consejo de Publicaciones de la Institución Cultural "El Brocense", de la Excma. Diputación Provincial de Cáceres. Ha sido organizador de los Coloquios Históricos de Extremadura (1985-1999) y coordinador del Museo de América de la Fundación “Xavier de Salas” (1987-1998). Tutor-coordinador de varios trabajos de investigación,  tiene publicados un total de 58 libros.

Conferencia. 21 de noviembre

Jueves, 21 de Noviembre

19,45 horas

La aportación cacereña al Pabellón de Extremadura en la Exposición Iberoamericana de Sevilla (1929)

Por D. Juan M. Valadés Sierra

Director del Museo de Cáceres

La bibliografía hasta ahora existente sobre la participación extremeña en la Exposición Iberoamericana de 1929 ha venido ignorando o minusvalorando las aportaciones realizadas por la provincia de Cáceres, debido a una escasa explotación de las fuentes. En la conferencia se tratará de restituir la realidad de los contenidos del Pabellón de Extremadura, recordando o dando a conocer la “otra mitad” hasta ahora semioculta, poniendo de relieve el esfuerzo desplegado por el comité cacereño para ofrecer una interesante muestra del Patrimonio Cultural de la provincia, y reconociendo el trabajo de las personas que lo hicieron posible

"Pozo IV (Variación 2)" de Cristina Iglesias

Del 25 de Octubre al 24 de Noviembre

Obra instalada en el patio de la Casa de las Veletas (Museo de Cáceres)

Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) vive y trabaja en Torrelodones (Madrid), estudió Ciencias Químicas en San Sebastián (1976-1978), y Escultura y Cerámica en la Chelsea School of Art (Londres-U.K.) (1980-1982). En 1995 fue nombrada Professor de Escultura en la Akademie der Bildenden Künste de Munich (Alemania). Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999, en 2011 es Premio de Artes Plásticas en la III edición de los Premios Observatorio D'Achtall y Premio de la Academia de Berlín en 2012. 

 

Ha recibido encargos públicos como las puertas ceremoniales del Museo del Prado de Madrid (2006-7), o las piezas Deep Fountain (2006) en Amberes y Estancias sumergidas (2010) en el Mar de Cortés de la Baja California. Ha realizado exposiciones individuales en museos como el Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Guggenheim, en sus sedes de Nueva York y Bilbao, el Stedelijk Van Abbemuseum, la Renaissance Society, Pinacoteca do Estado de São Paulo, la Fundación Serralves, la White Chapel Gallery y la Casa França Brasil.
Su obra forma parte de colecciones privadas y públicas de todo el mundo, entre las que destacan el Museo Reina Sofía, el Centro Pompidou, el MACBA, la Tate Modern y el Hirshhorn Museum; ahora expone en el Museo de Cáceres como parte de ForoSur 2013.

 

 

 

Horario de visita:
Martes a sábado de 9,00 a 15,00 y 16,00 a 19,30. Domingo de 10,00 a 15,00.
Lunes cerrado.